ESCULTURA ABSTRACTA

Para la ecultura se traen y aplicacan los mismos principios y conceptos del movimiento no figurativo ya antes mencionado, proyectanto tridimensionalmente lo que bidimensionalmente ya se ha explicado y trabajado.

Todo siempre empieza con bocetos bidimensionales en papel y lapiz.




Antes de realizar la escultura, se proyecta el resultado en una maqueta.










El trabajo escultórico toma como una de sus referencias la lampara volivik de David Tamame y Lucas Muñoz.





Después de este proceso se obtiene el producto final.

ABSTRACCIÓN

Se ha conocido tradicionalmente al movimiento abstracto como la representación que niega el naturalismo y la fidelidad de la "realidad". Aunque el termino es comúnmente utilizado, es incorrecto ya que toda manifestación pictórica, por más naturalista que resulte, es una abstracción se la realidad representada.

Este estilo surgió alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del siglo XX. El arte abstracto, o más bien, no figurativo, deja de justificar la necesidad de la representación totalmente figurativa y le brinda a la obra un lenguaje visual propio e independiente, que contiene sus propias significaciones.

Al igual que en el trabajo de futurismo, se vivó una experiencia colectiva pictórica, donde se pudo explorar la no figuración con pigmentos y ejercicios de color.

La gramática visual nuevamente se repite como ejercicio de exploración en el trabajo de abstracción.


Irradación y vibración cromática: Arte optico.

Texturas: Tapies, arte matérico, arte povera.

Simetría dinámica: Vasarely.

Transformación y crecimiento: kandinsky Pollock.

Sistemas reticulare y modulares: Mondrian y Stella

Se realizó un trabajo grupal explorando el lenguaje urbano del graffiti, haciendo uso de elementos tipográficos y siempre utilizando el lenguaje abstracto.

Elaboración de un Site specific, el cual consiste en una pintura instalativa con materiales adhesivos, apropiandose de un espacio natural, como por ejemplo árboles o elementos naturales.

A partir de lo anterior, se desarrollo una serie de aplicaciones del concepto de abstracción y de los elementos de diseño utilizados en los trabajops anteriores, aplicando gramáticas visuales expandidas a bocetos acabados de diseño de modas, diseño arquitectónico, ventana, diseño de espacio interno y diseño de producto (objetos utilitarios).

Para estas aplicaciones se tomo como referencia el trabajo de graffiti que se realizó en grupo y el trabajo de Piet Mondrian.

A partir de esto se generaron 2 afiches: uno con imagenes de referencia y de las aplicaciones hechas, y otro explicativo con un breve resumen del origen de este movimiento y objetivo del trabajo.

ESCULTURA FUTURISTA

El movimiento futurista nació en Italia a principios del siglo XX, fundado por Filippo Tommaso Marinetti, inspirado en un documento que expresa con énfasis y a gran exaltación los nuevos tiempos y la vinculación del arte con los adelantos de la tecnología, y además, el acelerado ritmo que las maquinas habían traído a la humanidad. Este movimiento procede directamente del cubismo.

El movimiento futurista buscaba romper con el tradicionalismo y las convenciones conservadoras y antiguas en el arte, manejaban un lenguaje que buscaba reflejar la vida moderna, la maquina, la influencia de ella en la cotidianeidad y la vida en momivimiento, la exaltación en la sensualidad y lo nacional, el progreso y lo guerrero. Este movimiento se caracteriza por el uso del color, las formas geométricas y la representación del movimiento y la velocidad.

Se desarrollo un trabajo grupal basado en las ideas de movimiento, representación, estilización, abstracción y máquina. Además un trabajo individual de collage donde se aplicaron los mismos conceptos, usando fotografías y del cual se derivo una pintura, una interpretación del collage mismo.

Trabajo grupal

Collage

Representación pictórica del collage

Posteriormente se realizó una ciudad futurista que conenía un vínculo con la imaginación, el uso del espacio y el color.

También se hicieron gramáticas visuales aplicadas al futurismo, se utilizaron pinceladas fragmentadas, (estructura, planos, cubismo analítico, estilos propios de Cezanne, Picasso y Braque), pincelada impresionista, movimiento (imitación del movimiento congelado de la fotografía y el video) y la híbrida (contiene todas las otras anteriormente mencionadas). Se realizaron tembién, estudios de color, de armonías cromáticas y aplicación de sistemas (otwald, munsel).

Pincelada de movimiento

Pincelada analítica

Pincelada impresionista

Pincelada híbrida

Se puso en práctica un ejercicio de niveles de iconicidad, investigando los conceptos, imágenes de movimiento que sean figurativas, semifigurativas y abstractas, realizar 4 ejemplos de estos niveles de (abstracta, semiabstracta, semifigurativa, figurativa), siempre tomando en cuenta que, los ejemplos representen todos los conceptos de futurismo como la máquina, el movimiento como belleza, ritmo, sin olvidar la utilización de lo aprendido en los ejercicios de color y armonías cromáticas que se aplicaron a las gramáticas visuales antes hechas.

Apartir de la bidimensionalidad, de el dibujo de las distintas vista, se lleva acabo un proyecto tridimensional basada siempre en el movimiento. Se utilizaron los aspectos formales, técnicos y conceptuales.

Se realizaron también aplicaciones utilitarias que siguen el formato y conceptos de futuristas.

Al final se obtuvo como producto final una escultura futurista que sigue manejando la idea de movimiento.

IMPRESIONISMO

El movimiento pictórico llamado se desarrollo a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Francia principalmente, aunque también se esparció por el resto de Europa, todo esto a partir de la década de los 70's. Los pintores impresionistas entendieron que la naturaleza cambia a cada instante, por lo tanto las condiciones de la luz también al transcurrir el día, alterando el color del paisaje y las cosas a su vez. Así motivados por el deseo de captar el instante, no perdieron tiempo en el dibujo y el detalle, colocaron el color directamente sobre la tela con trazos y pinceladas rápidas. su observación casi científica de la pintura, y la realidad del color influenciado por el cambio de la luz, no fue bien recibida por los académicos de la época que rechazaban la nueva propuesta, por defender el arte clásico o pompier como el único arte legítimo, aquel de temática histórica o religiosa principalmente.

Tomando esto como base para iniciar, he desarrollado un proyecto aplicando la técnica del impresionismo. Se realizó una serie de ejercicios, el primero es un círculo cromático al óleo, una mezcla óptica de dos colores primarios para crear un secundario. Por medio del efecto óptico se logra una mezcla que crea colores complementarios, y que a su vez desde lejos, crea un gris análogos (matices de un solo color, el cual busca lograr un paisaje), monocromía (con blanco y oscurecer con un complementario).

El paso siguiente fue desarrollar gramáticas visuales con distintas pinceladas que buscan reproducir la técnica impresionista. Alguna de estas se dan por aplicación del color puro (Degas y Manet), por yuxtaposición o veladuras (técnica de Renoir), por fragmentación y/o puntillista (Seurat), por asociación de colores primarios y complementarios y el rompimiento de Paul Cezanne, que es la superposición de pinceladas geométricas verticales y horizantales.

Después de la realización de estos ejercicios, vino el desarrollo del proyecto final, el cual consistión en una pintura al aíre libre, aplicando todos los conceptos aprendidos en la clase y la investigación respectiva.